CriticSociety- film reviews

Review

Babettes gaestebud

Director

Gabriel Axel

Year

1987

Rating

Reviewed by

Gon C Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Thursday, September 02, 2010

La escena central es la que da título a la película, “El Festín De Babette”, un banquete que ofrece la misteriosa joven francesa refugiada en un pequeño pueblo danés donde dos mujeres mayores, ambas solteras y devotas a la secta cristiana que fundó su padre, le dan asilo durante años para apoyarla tras su trágico exilio en tiempos de guerra. Es una escena que dura quizá la segunda mitad entera de la película, pero el espectador la consume con la voracidad de un exquisito festín. Las razones por las que se ofrece dicha cena, de unas diez personas aproximadamente, y cómo se llega hasta ahí, son deleitables y sería un pecado mencionarlas. Baste decir que uno de los festines más memorables de la historia del cine, al nivel del de Tom Jones (1963), diría yo, contiene tanto placer culinario como humano, en el sentido de las catarsis que se conjuntan en ese momento, de las dos mujeres mayores, su cocinera, un capitán que visita el pueblo después de décadas, y el pueblo en general.

El proceso de la película es muy simple. Se narran primero las historias de las dos mujeres que en su juventud eran las más hermosas y cautivadoras del pueblo. Su padre ultra religioso no quería que contrajeran matrimonio, pero al final fue decisión de ellas, tanto individual como conjuntamente, quedarse solteras para cuidar el legado de su padre y refugiarse en él al mismo tiempo. Sus flashbacks son historias que parten el corazón, pues ambas viven romances potenciales que se truncan por una u otra razón. En estas escenas, la actuación más memorable pertenece a Jean-Phillippe Lafont, uno de los hombres más claramente enamorados que he visto en pantalla.

Después se introduce a Babette (Stéphane Audran), mujer seria y melancólica, de quien poco se sabe excepto que ha perdido a su familia en Francia y ha debido huir. Consigue refugio con las dos mujeres, ya grandes, que viven para ayudar a los feligreses de su decreciente congregación. Por medio de Babette, que está siempre dispuesta a ayudar y tiene sorprendentes dotes de administración y organización, consiguen hacer sus labores sociales y religiosas con mucho mayor provecho.

A la hora de la cena, en ese majestuoso banquete que Babette ofrece por razones que no describiré aquí, se conjuntan, como he dicho, las culminaciones de todas las historias que se viven en la cinta. Desde el destino de la congregación hasta cada uno de los dramas personales, incluyendo uno hasta entonces desconocido, el de la protagonista, se obtiene la recompensa perfecta. La escena se filma con mucho énfasis en la comida pero tanto o más en las reacciones de quienes la consumen con placer tal que parecieran no haber experimentado jamás. En esta escena, el personaje más memorable es sin duda el interpretado por Jarl Kulle, hombre de mundo que mucho contrasta a sus comensales, y cuyas palabras dan perspectiva extraordinaria al evento. Del otro lado, los humildes feligreses hacen lo posible por rechazar el placer mundano que viven por medio de su sentido del gusto, pero les es imposible, y al finalmente aceptarlo, encuentran la armonía que tanta falta les había hecho.

La historia es pequeña, si se ve desde cierto punto de vista, pero inagotable si se ve desde otro. Fue escrita por el director, basado en una historia de Karen Blixen. Me impresiona que un evento pueda conjuntar la importancia de tantas vidas, sin palabras, con olores, sabores y combinaciones que jamás se olvidarán. Probé el banquete tanto como los personajes y quedé más satisfecho y enriquecido que nunca.

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Review

The Burning Plain

Director

Guillermo Arriaga

Year

2008

Rating

Reviewed by

Gon C Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Friday, August 13, 2010

La magia del escribir de Guillermo Arriaga es que encuentra impacto en los mínimos detalles. Sus historias típicamente giran en torno a eventos tremendos, como accidentes y muertes, pero no es tanto lo que sucede, sino las causas y consecuencias de ello, lo que le fascina y le obliga a llenar sus escritos de emociones imperceptibles para quien poco observa, pero desbordantes para quien las vive. Y nos hace vivirlas.

Hemos visto en sus películas anteriores, al menos en las más famosas, una serie de historias entrelazadas, unidas sólo por un magno evento, pero similares en naturaleza y sensibilidad. En esta ocasión nos presenta algo parecido, aunque de hilos narrativos vinculados más íntimamente y por ende más fáciles de conjuntar para el espectador. Se puede dar incluso el caso de deducir a tal grado las uniones de las historias que se adivine el final de cada una. Esto arriesga al impacto de la película, y en mi caso lo disminuyó, pero en ningún momento me dejó de interesar cómo ocurriría cada cosa y sobre todo cómo lo vivirían los personajes.

Fue ésta quizá la intención de Arriaga. Tal vez no le interesó tanto mantenernos a oscuras al respecto de las identidades de ciertos personajes, el porqué de sus comportamientos o las épocas en que cada historia está situada, sino adentrarnos tanto en la experiencia de los caracteres centrales que pudiéramos compartir su vivencia hasta un punto en que ya no nos importara nada más que verlos conseguir sus respectivas catarsis.

En la historia de una mujer con clara tendencia a la autoflagelación, Charlize Theron encuentra un perfecto escenario para demostrar una vez más todo el dolor que es capaz de transmitir, a la vez que su personaje aparenta con gran maestría no tener ningún problema. Como director, Arriaga consigue que el espectador sea el único capaz de ver más allá del engaño, sin que eso delate a esta hermosa y solitaria mujer. Mientras tanto, o, digamos, de forma intercalada, otra mujer vive un intenso sufrimiento: en una de sus mejores actuaciones, Kim Basinger encarna el tormento de encontrar el paraíso y verlo atado a un nuevo infierno que es incapaz de evadir. Por último, o, de nuevo, paralelamente, una adolescente, encarnada por Jennifer Lawrence, vive un dolor que no puede compartir con nadie, y lo lleva hasta un punto sin retorno. Su personaje vive diversas facetas y Lawrence sorprende en todo momento.

Si bien la producción es intacta, encontré la película un poco lenta a ratos, quizá en parte por lo predecible de la historia, aunque cada vez volví a sumergirme en el drama de los diferentes personajes. A cada paso hay escenas que podrían parecer triviales pero son de altísima importancia. Por ende, las que son de innegable impacto, como la del reencuentro entre dos mujeres, ven su efecto multiplicado hasta hacer las lágrimas del público brotar. En esa escena, ocurrida en un cuarto de hotel, descubrí que lo que Arriaga nos presenta no es el drama de sus personajes, sino el de nosotros mismos, el de todos nosotros.

Entrando en un tema más específico, lo advierto, aunque siempre recomiendo no leer mis críticas si no se ha visto la película, he de mencionar que me parece que la historia de Fuego, como se le tituló en México, es una brillante alegoría del cáncer. Esta enfermedad lleva a un personaje, víctima de rechazo, a hacer lo que jamás imaginó, y eso provoca fatales consecuencias que marcan muchas vidas, una en particular, que entonces se “contagia” y lleva su mal hasta la siguiente generación. Como un cáncer imparable, que se apodera de más y más órganos del cuerpo, llega hasta un lugar y un momento insospechados, y sólo se detiene, o puede detenerse, a raíz de una acción decisiva. Esto se representa en la máxima escena catártica, la entrada de una mujer a una habitación de hospital, que significa un cambio, un nuevo reto y una decisión, si bien tardía, de atacar la enfermedad, sin importar de entrada si se logrará erradicarla.

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Review

Blow-Up

Director

Michelangelo Antonioni

Year

1966

Rating

Reviewed by

Gon C Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Wednesday, August 11, 2010

Lo primero que recuerdo de esta película es la perdurable fascinación que le provocó a mi papá, quien me la mencionó varias veces desde mi infancia, no como algo que recomendaba, sino más bien como un evento relevante de su vida. Cuando hace poco tiempo la vimos anunciada en televisión, exclamó emocionado que ésa era a la que tanto se refería, y decidí que debía verla.

La experiencia fue tal cual la esperada considerando la perspectiva de ese hombre cuya adolescencia transcurrió en los años 60s: es una película de época, 100% icónica y de ambiente tal que idealiza lo que la juventud tanto disfrutaba en esos momentos. El protagonista es un fotógrafo independiente que pasa la vida en una serie de excentricidades y humores extremos, sexo libre y vacío, amistades ocasionales y búsqueda insaciable de satisfacción artística y profesional. Todo en su vida es música y color, mujeres, encuadres y revelado (revelación). Los fotógrafos de cualquier época pueden encontrar mucho valor en el retrato que se hace a un extremo de su profesión por medio de este difícil personaje.

Interpretado por David Hemmings, Thomas representa una época por medio del peinado, el vestir, y hasta diría que la complexión física. Su afición es dejar las cosas a medias, brincar a su convertible y arrancar sin rumbo en búsqueda de emociones, comprar antigüedades, detenerse en parajes y fotografiar cualquier cosa, desde aves hasta gente que se vuelve sujeto de su arte sin saberlo.

En una ocasión, encuentra a una pareja en actitud curiosa, quizá coqueta, quizá violenta, algo ansiosa, y le encanta lo que ve, la incertidumbre de la escena, las incontables probabilidades de su significado y su fondo. Esta secuencia y sus ramificaciones fueron inspiradas por una historia corta de Julio Cortázar, titulada “Las babas del diablo”, donde el protagonista, fotógrafo, a veces narrador, a veces tercera persona, a veces representante de la ansiedad artística del ser humano, se ve envuelto en un momento que captura y del cual genera un grupo de interpretaciones que abarcan desde la nada hasta el todo, el universo entero en lo que capta la lente.

La mujer fotografiada es interpretada por Vanessa Redgrave, cuya especial belleza ilumina no sólo las imágenes sino la aburrida vida de Thomas, quien se ve encantado no sólo por lo que ha capturado, sino por la violenta reacción de ella, que le exige las imágenes de vuelta. A esto le sigue una investigación de Thomas de los retratos que ha tomado, una ampliación, de ahí el título, que lo lleva a desenmascarar algo mucho más serio y severo que lo apreciado a simple vista, algo que pudiera o no ser, y pudiera o no comprobarse.

El fondo es deshilado e incompleto, insatisfactorio y repleto de huecos, que hacen que la historia no sólo asemeje a la original de Cortázar, sino genere el interés revolucionario que la cinta produjo en su momento. (Esto, apoyado por una escena erótica que hoy en día no tiene gran cosa de especial.) Sin embargo, existe sustento que asegura que la historia era mucho más coherente y específica en guión que en el resultado final, lo que fue mermado por el excedente de presupuesto de Antonioni en su primera película de habla inglesa. No sabemos cómo hubiera sido de haber tenido una historia lineal y coherente como estaba planeado, pero así como está, que no quepa duda, es mucho más especial y enigmática que si ésta hubiera sido la intención.

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