CriticSociety- film reviews

Review

Spaceballs

Director

Mel Brooks

Year

1987

Rating

Reviewed by

Gon Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Wednesday, November 18, 2009

Mel Brooks me da la impresión de ser, además de un genio creativo, un hombre con buena visión de negocios. En ambas cosas ha fallado, pero también ha demostrado ser de los mejores. Combinar su nombre con el de Star Wars (1977), por ejemplo, fue una brillante idea, porque filas interminables de amantes de la serie y/o conocedores de la comedia de Brooks querrían conocer la parodia que éste hace a la saga de George Lucas. Sin embargo, su éxito fue limitado, y creo saber por qué.

La película está compuesta más bien por bromas genéricas que Brooks acaso no sabía dónde poner y terminó moldeando para convertirlas en Spaceballs, un poco a la fuerza. Podría pensarse incluso que no tuvo las ganas de escribir un guión realmente creativo que se burlara más específicamente de la saga espacial. Al final, viéndola bien, esta película no es tanto una parodia como un pretexto para bromear mientras se hace un homenaje a veces más cercano que otras.

No que haya algo de malo en eso. The Court Jester (1955), por ejemplo, referencia a The Adventures of Robin Hood (1938) de lejos pero se enfoca en su propia historia, y sin embargo, se aprecia como parodia y como comedia autónoma a la vez. (Mal ejemplo si se considera que Jester tampoco gozó de éxito inmediato, pero la posteridad la trató mucho mejor que a la cinta de Brooks.)

Lo malo de Spaceballs es que su comedia es de lo más barata —el “humor de pastelazo” de Brooks en su máxima expresión— y la parodia no es suficientemente fuerte para sostenerla, por lo que más pasó a la historia como una pieza curiosa que como una comedia digna (no sin su seguimiento de culto, claro está). Con todo y todo es divertida, pero más bien a ratos, porque durante algunos momentos no es chistosa en absoluto, y a veces es apenas tolerable.

Tal vez estoy siendo demasiado duro, pero esto tenía un potencial mucho mayor, debido a su presupuesto y al permiso que Lucas dio a Brooks de hacer una película dedicada a burlarse de las suyas. Como quiera, el resultado es entretenido. A grandes rasgos, la historia lidia con un aventurero que se ofrece a ayudar al rescate de una princesa berrinchuda que ha huido de un matrimonio por conveniencia. Sin saberlo, la princesa se ha convertido en el objetivo de los villanos del planeta Spaceball que quieren robar aire fresco del de ella.

El líder de Spaceball, interpretado por Mel Brooks, es casi tan torpe como su segundo de a bordo, Dark Helmet, cuyo casco gigantesco a la Darth Vader esconde a Rick Moranis, quien tiene algunos de los mejores momentos. Brooks interpreta también al diminuto Yogurt, que hace las veces de Yoda, y enseña al héroe Lone Starr (Bill Pullman) los secretos del Schwartz. (El Schwartz es evidentemente una palabra que recuerda al Yiddish, y se asemeja a algunas que refieren al pene, lo que explica las bromas fálicas y de pobre gusto que abundan en relación a las espadas de luz de estos personajes.) Daphne Zuniga hace de la princesa y se le pasa la mano la burla de lo insoportable que podía ser Leia; mientras ésta eventualmente nos caía bien, aquélla cada vez cae más bajo. Su acompañante, Dot Matrix, una androide que siempre dice lo que piensa, y cuya voz pertenece a Joan Rivers, es un alivio. De la misma manera, el mayor trago de agua fresca es John Candy, que hace de Barf, mitad perro, mitad hombre, y fiel compañero del poco memorable Lone Starr.

Algunos buenos chistes salvan al filme, y en total es interesante verla por tratarse de la primera gran parodia a Star Wars y una de las más importantes, pero fuera de eso, y como película autónoma, vale muy poco.

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Review

The Grudge

Director

Takashi Shimizu

Year

2004

Rating

Reviewed by

Gon Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Tuesday, November 17, 2009

Sin haber visto la película original japonesa, Ju-on, puedo imaginarme que es esencialmente lo mismo pero con un poco más de integralidad porque todos los personajes han de ser japoneses. Aquí, la protagonista y otros son de Estados Unidos, pero la acción está situada en Japón y los personajes horripilantes son de ahí, porque sólo así podía funcionar esto.

Una especie de espíritu vengativo mora en una casa donde ocurrió una tragedia y espanta hasta la muerte a quienes llegan por ahí. El principio es interesante, habla de que un tremendo rencor a la hora de morir puede quedarse guardado en el lugar de los hechos como una forma de energía que se puede manifestar después de diversas formas. Sin embargo, la historia lleva esto a unos límites exagerados donde la energía toma una forma demasiado realista y espanta como ningún fantasma lo hizo antes.

La locación japonesa funciona. Es más creíble para los que vivimos del otro lado del mundo que cosas absolutamente increíbles sucedan hasta allá. Aunque el mundo está cada vez más comunicado y las culturas ajenas son más accesibles que antes, ciertas cosas siguen siendo enigmáticas y hacen que horrores como los aquí retratados puedan parecen más factibles.

En esta historia, Sarah Michelle Gellar interpreta a Karen, que es enviada a cuidar de una mujer mayor. Lo que Karen no sabe —pero nosotros sí— es que sustituye a una joven japonesa que sufrió un terrible destino en manos de “algo” en esa casa. Pronto queda claro que todo el que pisa ese lugar, aunque sea sólo de visita, sufre consecuencias horripilantes.

Pero lo que ni la primera ni la segunda cuidadoras sabían, es que en la primera escena de la película un hombre interpretado por Bill Pullman se quita la vida saltando de un balcón, para sorpresa de su esposa que nada sospechaba de algún desequilibrio mental de su esposo. Sabemos entonces que este hombre se ha quitado la vida perseguido por algo relativo a la maldición que después conoceremos. Estos elementos hacen que la película salga de lo convencional pese a los otros muchos elementos que procuran mantenerla ahí.

La mecánica de esta maldición es tan ilógica que se vuelve impredecible del todo. A una mujer la persigue la muerte hasta encontrarla entre sus sábanas, tras engañarla para que abriera la puerta apareciendo a través de la mirilla como alguien de confianza. Éstos son espíritus que provocan desbalances eléctricos, vívidas apariciones de seres queridos y muertes y mutilaciones súper imaginativas. Asimismo, se aparecen de formas a veces horrendas y otras veces muy tristes, pero siempre tangibles, como de carne y hueso.

También, la trama no se enfoca tanto en resolver, sino en huir, en lidiar con esta maldición inexplicable e imparable. De pronto, la cosa espanta sin importar lo poco seriamente que se le tomara, y cuando ha terminado, deja una huella de miedo difícil de borrar, sin importar que la protagonista fuera Sarah Michelle Gellar, actriz en general de películas palomiteras a lo mucho.

Por si fuera poco, existe para mi agrado una escena sin precedentes, al menos para mí, en la que un hombre se encuentra metido en un recuerdo, en la reproducción de un momento pasado, y su presencia es percibida por quienes vivieron el momento original. Disfruté de la originalidad en el manejo de este concepto y me gustó la idea de que el guión explorara horrores incoherentes y excesivos sin perder de vista que la idea es ser creativos y no escapar por salidas fáciles.

Stephen Susco escribió el guión, basado en Ju-on, que fuera dirigida por Takashi Shimizu, al igual que ésta. Tal vez que el mismo director rehiciera su cinta tiene que ver con la calidad inesperada de la segunda versión. Entre el éxito de propuestas interesantes y el miedo general que me inspiró, The Grudge, para mi sorpresa, fue una grata experiencia cinematográfica.

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Review

District 9

Director

Neill Blomkamp

Year

2009

Rating

Reviewed by

Gon Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Friday, November 06, 2009

La más agradable sorpresa que recibí al ver District 9 fue que su historia estuviera situada en Sudáfrica. Más tarde me sorprendí aún más agradablemente al descubrir que tanto la locación como la producción son sudafricanas. Esto es porque dicho país vivió y aún sufre secuelas de una de las eras más largas y atroces eras de régimen racista en la historia moderna. Su apartheid, que separaba esencialmente a los blancos (aunque también tenían sus distinciones) de los negros, provocó tales eventos como la segregación de los que habitaban el Distrito 6, evento en que se basa la historia de District 9.

Durante la función, poco o nada se menciona del racismo que en la vida real protagonizó Sudáfrica. Más bien, la actitud de los personajes lo integra de forma esencial, es decir, los hace comportarse de manera naturalmente segregativa, con el aprendizaje de lo que vivieron y aceptaron como normal durante sus vidas enteras. En el supuesto que plantea esta historia, unos despistados alienígenos se ven obligados a pedir asilo en la Tierra, con su gigantesca nave nodriza estacionada e inservible sobre la ciudad de Johannesburgo. Tras encontrar que sus capacidades de ataque son limitadas, no por falta de tecnología sino de enfoque o liderazgo de quienes tripulaban esa nave, los humanos los segregan, acuñando para ellos el término peyorativo “prawns” (“langostinos”, por su claro parecido físico a esos insectos) y orillándolos a vivir en un campo de refugiados tan inhumano como inhóspito. A duras penas los humanos navegan con bandera de buenos anfitriones; más bien, han adoptado la postura de que es correcto segregar e incluso ningunear a quienes no son humanos, en parte por desagradables a la vista, y en parte porque “se dejan”.

El protagonista es un hombre blanco que trabaja en la organización gubernamental que se ha planteado reubicar a los extraterrestres en otro campo donde estarán más controlados, con el pretexto de que el Distrito 9 se ha convertido en una zona intolerable de delincuencia, libertinaje y mercado negro. Este hombre, Wikus van de Merwe (Sharlto Copley), muere de risa ante todo lo que sea despreciar, maltratar y aun erradicar a los refugiados. En una secuencia introductoria presentada en parte como documental y en parte como retrato exclusivo para nosotros, Wikus resulta aberrante para el espectador. Desde entonces, de hecho, su cambio en ese sentido no es siquiera gradual; sólo sucede cuando no existe otra opción. Esto es tan riesgoso como acertado; riesgoso porque Wikus es el protagonista y es difícil encariñarnos con quien trata tan pobremente a otros seres vivos; acertado porque sólo así el personaje es realista, sólo así es creíble, porque otro comportamiento, uno en que de pronto decidiera proteger o empatizar con quienes no son sus semejantes, hubiera sido antinatural para él. Es quizá ése el mensaje más importante; que el que vivamos con el convencimiento de que algo es como creemos que es, por así haberlo aprendido desde que nacimos, no lo hace correcto.

El predicamento que vive Wikus, su transformación involuntaria que lo convierte en fugitivo de los suyos, obligado a aliarse con los otros, pertenece a la ciencia ficción y lleva a consecuencias propias del género y por demás satisfactorias para quienes más lo aprecian; aquí abundan los extraterrestres (impresionantes criaturas insectiles animadas por efectos visuales), las armas extraordinarias, los trajes de robot y algunas referencias inconfundibles a The Fly (1986). Sin embargo, la historia escrita por el director Neill Blomkamp junto con Terri Tatchell poco tiene de ciencia ficción y mucho de metáfora. Ésta es una película muy especial.

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Review

Ikiru

Director

Akira Kurosawa

Year

1952

Rating

Reviewed by

Gon Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Tuesday, November 03, 2009

Creo que todas las obras de ficción tienen una intención primaria y una secundaria. La primaria es el mensaje más básico que quieren dar, la historia quizá metafórica o parabólica que inicia el proyecto y funge como núcleo del resultado final. La secundaria es la superficial, la presentación que se ve a simple vista y que a veces resulta tan predominante que impide ver el fondo. La intención primaria y original es la causa de la existencia de la obra y la más importante, al menos en principio, del autor. Es la tergiversación de estas intenciones lo que a veces arruina las adaptaciones literarias a formato de cine, dicho sea de paso; es por eso que algunos autores se enfurecen al ver que su obra convertida a formato audiovisual ha perdido su corazón, su crítica más profunda o su alegoría oculta que había fungido como motivador de la creación literaria.

Es por eso que me resulta importante destacar lo que Ikiru, obra cinematográfica original de Akira Kurosawa, co-escrita por Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni, quiso decir y significar. En su superficie (su intención secundaria) trata de un hombre que al descubrir que tiene una enfermedad terminal, empieza, en la última fase de su vida, a vivir por primera vez. En su fondo (su intención primaria) está, sin embargo, lo más interesante y relevante de esta historia: Por un lado, una crítica a la burocracia gubernamental y de cualquier institución que no sólo entorpece procesos sino que a veces incluso está diseñada para imposibilitarlos del todo y entretener a los afectados para ganar tiempo o aparentar actividad donde no la hay. Por otro lado, la crítica es a la burocracia en general, en la vida, en la manera de ser, en la manera de manejarnos y de vivir; a nuestra desidia, a la confianza ciega e insensata de que lo mejor está por venir y ya vendrá, tal vez algún día, a la manera de priorizar nuestras actividades sin consideración a nosotros mismos, a la creencia de que el egoísmo está del todo mal, a la renuncia al propio ser a favor de quienes no lo agradecen, y sin realmente beneficiarlos; al desperdicio de la única vida que tenemos.

Por eso es tan potente la presentación (la intención secundaria) de Ikiru. Cuando Kanji Watanabe (Takashi Shimura) es diagnosticado con cáncer terminal de estómago (de hecho le diagnostican una úlcera común, pero él intuye correctamente que le ocultan la realidad), descubre casi de inmediato que la vida que ha vivido ha sido un desperdicio, no sólo porque no la ha disfrutado, sino porque renunció a todo placer a favor de una causa infructuosa, la de dar seguridad a su familia, a su único hijo, que poco agradece ahora esa devoción impersonal. La labor a la que el Sr. Watanabe se entregó, un puesto gubernamental de absoluta burocracia, no lo ha llevado a nada si no se toma en cuenta lo que lo ha drenado de toda humanidad y personalidad, o lo que lo ha convertido en un “calentador de silla”.

El diseño de producción es admirable en ese sentido: la oficina en la que trabaja Watanabe es asfixiante y saturada de papeles viejísimos, documentos en distinta medida relevantes ya empolvados por el olvido, apelmazados con otros en paquetes atados hace tanto tiempo que el mismo cordón (ya no sólo el papel) se ha amarillentado. Los burócratas se sientan uno junto a otro, con tal cercanía que pudiera convertirlos en mejores amigos, pero sólo los hace odiarse, acaso porque cada uno sabe que el otro es tan despreciable como él, porque está desperdiciando su tiempo tanto o más, en una labor no sólo inútil sino maligna, porque consiste en no hacer lo que se debe hacer, en entorpecer los procesos de bienestar y en encontrar maneras de postergarlo todo.

Cuando el Sr. Watanabe descubre que su tiempo está contado, no deduce de inmediato que su desperdicio de tiempo ha sido el de hundirse en esta labor maliciosa, tal vez porque se ha engañado a sí mismo durante tantos años que ha olvidado que intentaba engañarse y se lo ha creído. Su reacción, en cambio, es la de la hipotética pregunta de “¿Qué harías si te quedara un día de vida?”. Se va de farra, se hace amigo de un vividor, descubre juegos y diversiones, convive con prostitutas, se olvida de todo. Luego, porque no era el último día aún, amanece crudo de muerte, no por el desgaste físico (peor para un enfermo de cáncer estomacal), sino por su nuevo desperdicio, el de vivir sus últimos días en la fiesta en lugar de hacer algo significativo. Su siguiente reacción, entonces, es la de buscar el amor; ha sido viudo durante décadas y quizá es momento de amar otra vez. Una subordinada suya, la alborozada Toyo (Miki Odagiri), le inspira la dicha de vivir y se convierte en el sujeto de su afecto, no tanto por la atracción que siente hacia ella como por las ganas de vivir que ella le transmite. Es por medio de esta relación (por lo demás deprimente) que Kanji finalmente descubre lo que debe hacer y no ha hecho nunca: buscar el balance entre su propia satisfacción y el bien de otros. Su puesto gubernamental dinosauriano es la perfecta herramienta. El tercer acto de la película lidia con esa decisión, sus efectos y su legado.

Ikiru, que significa “Vivir”, contiene la mejor actuación de su protagonista, Takashi Shimura; su escena inolvidable, entre otras excelentes, es en la que canta una canción por cierto muy conmovedora, “Gondola no Uta”. La película es también una de las mejores de su realizador, Akira Kurosawa. Esta obra es puro corazón, pero no del manipulador, sino del real, del innegable. Qué mejor vehículo para la intención original: la de criticar las vidas desperdicias en la burocracia del existir.

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