CriticSociety- film reviews

Review

The Petrified Forest

Director

Archie Mayo

Year

1936

Rating

Reviewed by

Gon Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Saturday, December 26, 2009

Me llamó la atención The Petrified Forest cuando oí que contenía el primer rol que dio reconocimiento a Humphrey Bogart en Hollywood y que creó un molde para los gangsters estadounidenses en el cine. Además, tenía a Bette Davis y a Leslie Howard en los otros protagónicos. Yo no lo sabía hasta hace poco tiempo, pero Leslie Howard murió en un trágico accidente (del que se especula terrorismo) durante la segunda guerra mundial. Fue él, que ya era una estrella de cine, quien recomendó a Bogart para el papel de Duke Mantee en la adaptación cinematográfica de la obra que ambos protagonizaron. Bogart sintió que le debía mucho, y le puso a uno de sus hijos (con Lauren Bacall) el nombre de Leslie, varios años después.

Si no fuera por esa información de interés particular, quizá no fuera tan importante ver esta cinta después de tanto tiempo. En su entonces fue una de las obras más notables de Estados Unidos, escrita por Robert E. Sherwood, un múltiple ganador del premio Pulitzer, que retrató con The Petrified Forest los idealismos estadounidenses polarizados. Muy exitoso, seguramente, pero el tiempo ha pasado y todos esos ideales se han hibridado y ya son escasos los ejemplos tan dramáticamente opuestos. De cualquier manera, y quizá por lo mismo, deja un aprendizaje relevante. Y todo sucede en un café a la mitad de la carretera.

El café, atendido por la joven y soñadora Gabby (Bette Davis), es visitado por un intelectual de porte sombrío y un tanto decaído, Alan Squier (Leslie Howard), que tiene la intención secreta de morir. Se genera un romance entre ellos, pues Gabby pretende justamente ser intelectual, dejar su país en búsqueda de la cultura europea, y borrar de su pasado los burdos y atroces recuerdos con los que ha crecido, rodeada de gente simple y poco emprendedora. Alan, por su parte, no tiene un centavo (ella tiene que pagar su consumo), pero su riqueza cultural la cautiva de forma terminante.

En tercera instancia, aparece Duke Mantee, un forajido cuya persecución figura ya en las noticias, el cual se rehúsa a cruzar la frontera por volver a ver a la mujer que ama. Su manera de ser, sin embargo, poco tiene de romántica: es rudo, brusco y amargado, pero muy superior a los trabajadores de la gasolinera que está adherida al café que Gabby atiende. Este choque de tres polos (el intelectual, el delictivo y el ávido) genera una contraposición que Sherwood aprovecha al máximo, ilustrando los sentimientos de una nación en tiempos de depresión y de influencia multicultural poco bienvenida por algunos.

Las actuaciones son tan buenas como los nombres de quienes las realizan. Bette Davis siempre fue garantía, y aquí, en uno de sus papeles de mujer joven vulnerable, es extraordinaria. Leslie Howard sigue siendo un enigma para mí; hasta el momento sólo lo he visto, que yo recuerde, aquí y en Gone With the Wind (1939), y en ambos casos fue opacado por el otro protagonista masculino. Sin embargo, quizá sesgado por lo que oí de él, de cómo fue él quien influyó para que Bogart tuviera oportunidades en el cine, y del respeto que se le tenía, le encuentro una estrella oculta, que tal vez por lo mismo es especial, un misticismo, una tristeza profundísima y bien disimulada, que hace a sus personajes, o al menos a éste, mucho más de lo que aparentan.

Bogart, por su parte, demuestra tanto empeño como las ganas que tenía de triunfar en cine, y bien merecido que lo tuvo al conseguirlo. Su Duke Mantee, inspirado, se dice, en el criminal John Dillinger, es tan profundo como el personaje de Leslie Howard, pero con una dureza generada por la vida difícil, que no le quita el anhelo ni lo hace perder de vista cómo empezó todo: como un intento de sobresalir en este mundo.

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Review

Born Yesterday

Director

George Cukor

Year

1950

Rating

Reviewed by

Gon Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Friday, December 25, 2009

Born Yesterday es relevante. Su tema es más que un pretexto para entretener, una razón para inspirar, una propuesta para mejorar, y algo que podría cambiar al mundo si se tomara en serio. Ese tema es algo tan burdo como “aprender puede ser divertido” o algo tan profundo como “ser mejor persona está en las manos de cada quién”. Habla también de que no existe gente tonta, sólo gente que quiere serlo, o prefiere serlo por ser más fácil, y que en este mundo sólo está mal el que quiere conformarse con ello. Amé el tema, y por esa razón tan sencilla recomendaría la película, aunque en sí, como película, no haya sido tan buena como pudiera.

Basada en una obra teatral de Garson Kanin, la película protagoniza a Judy Holliday en su papel legendario de Billie Dawn, la novia ignorante de un magnate creciente, y no menos ignorante, pero macho e imponente, que inspira a Billie a superarse sólo siendo tan bestial como es, al hacerla querer ser todo lo opuesto. El hombre en cuestión, Harry Brock (Broderick Crawford), cree genuinamente que ella puede afectar su imagen, sin sospechar que él ya se hace suficiente daño. Para entretenerla durante una visita importante a Washington, D.C., le asigna a un acompañante que la podrá llevar a conocer los principales sitios turísticos.

El acompañante elegido es un periodista poco exitoso, Paul Verrall (William Holden), que sin embargo sabe disfrutar los pequeños detalles del mundo por medio del conocimiento. Para él, entender su entorno y poner a cada cosa un nombre y un trasfondo lo enriquece a cada instante. Billie lo admira de inmediato, primero por lo que considera una inteligencia prodigiosa, y luego por lo que descubre que es sólo avidez de conocimiento por el placer del mismo.

Cada personaje está llevado a su límite, casi al grado de caricatura. Billie, por ejemplo, con su voz chillona, su pobre gramática y sus malos modales, desespera después de un rato, en particular cuando empieza a superarse pero sigue comportándose así. Es obvio que el personaje es tan exitoso en esa modalidad que los realizadores no quisieron restarle sus simpáticas características hasta que no hubiera más remedio. Crawford es genial como el magnate, no tanto por sus brusquedades, sino por su fondo vulnerable que apenas si se alcanza a ver, pero importa muchísimo. Y Paul es un genuino ratón de biblioteca, uno más de los caracteres apocados que Holden supo hacer tan bien, y que parece carecer de toda ambición pero al mismo tiempo se frustra de ver a otros hundirse innecesariamente.

Billie sufre su verdadera transformación, su epifanía, cuando descubre, en ningún lugar mejor que Washington, D.C., que su esposo es un corrupto al que debe ponerse un alto. Que las fuerzas contra las que hay que luchar son más grandes de lo imaginó, es materia de otras muchas películas, de entre las que me viene a la mente la más idealista de todas, Mr. Smith Goes to Washington. Sin embargo, no es tanto lo que hay que hacer, o lo que se hace, sino el descubrimiento de que las cosas están mal, y que no se deben quedar así, lo que cataliza al personaje y lo lleva a un nivel muy superior al que estaba en un principio. Es ésa la riqueza de Born Yesterday, que el conocimiento lleva a la superación, a la mejoría, y al bien.

Judy Holliday consigue salir de su caricatura, no tan pronto como me hubiera gustado, pero a tiempo para trascender no sólo por su simpatía en el papel de la maleducada. Es por ella que esta cinta tiene renombre en la historia, y muy bien merecido. Ojalá su personaje inspire a muchos. A mí me inspiró bastante.

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Review

The Italian Job

Director

Peter Collinson

Year

1969

Rating

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Gon Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Thursday, December 24, 2009

Vi The Italian Job en parte porque soy fanático de Michael Caine, en parte porque había oído que era básica en el género de autos pequeños a gran velocidad (realmente es un género respetable), y en parte porque decían que su final era uno de los más memorables en la historia del cine. De hecho esto último fue lo que realmente me hizo decidirme a buscarla. No fue una mala decisión, porque es buen entretenimiento, pero el final de ningún modo es de los mejores de la historia; al contrario, es de los peores, porque sin más razón que impactar (y plantar un gancho para una secuela, que nunca llegó) jala el tapete de forma inesperada e ingrata. Lo que sí es que esos últimos minutos (¿o son segundos?) proporcionan más tensión que el verdadero clímax, ocurrido antes.

De cualquier manera, para entonces, ya nadie se toma en serio esta historia. Es una colección de chistes y escenas de acción, ambas cosas al máximo y al límite, de la decencia y de la prudencia, pero con buenas dosis de entretenimiento. Lo que pasa es que cuando ha pasado una hora y la historia no ha progresado hacia ningún lugar interesante, sino sólo a lo que ya esperábamos que sucediera, pues nos pierden un poco. En realidad me sorprende bastante que esta película sea considerada un clásico, ¿o no lo es y yo estoy equivocado? No le veo gran cosa de particular. Tal vez la presencia de Michael Caine combinada con todos esos Mini Coopers a toda velocidad por calles, banquetas, callejones y monumentos de Italia tenga algo que ver. Al final, ésas fueron dos grandes razones por las que yo la vi, cuatro décadas después de su estreno, con conciencia de que era una cinta tan actual como el día en que salió.

La trama es que un grupo de expertos realizan el robo más grande de la historia, perfectamente orquestado para que sea limpio y sano y con una escapatoria espectacular. La preparación está cargada de bromas y momentos explosivos, como dije, porque cualquier cosa es buen pretexto para hacer volar un coche o hacernos reír con lo que sea, desde lo más sofisticado hasta lo más burdo, en la mejor tradición inglesa. El reparto incluye a gente como Benny Hill, y a muchos más que no reconozco pero que seguramente son grandes actores, lo que garantiza al menos un par de risotadas y mucha confianza en sus personajes.

La ejecución es buena y los actores parecen divertirse. ¿Cómo no hacerlo, con lo que les han de haber pagado por estar muertos de risa? No respeto mucho a las películas así a menos que sean realmente inteligentes. Me viene a la cabeza, sobre todo por las carreritas, The Gumball Rally (1976), una de mis favoritas de toda la vida, que no tiene menos ligereza que cualquier otra, pero que propone bastante, escena tras escena, sin importar lo irrelevante de cada una. Por qué una belleza como ésa no se convierte en un clásico como ésta, jamás lo entenderé.

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Review

Avatar

Director

James Cameron

Year

2009

Rating

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Gon Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Wednesday, December 23, 2009

No soy una persona primordialmente visual. Lo mío, en el cine, es la historia. Por eso no fue mi prioridad ver Avatar en 3D, ni tengo intención de hacerlo. Bueno, la verdad sí tengo la inquietud, porque estoy seguro de que el espectáculo no ha de tener comparación, pero estoy tan decepcionado de la historia que cuenta, y de lo mal lograda que está, que sólo me perturba darme cuenta de la cantidad de adeptos que gana exclusivamente por lo bien que se ve. No intento insultar la inteligencia de quienes hayan disfrutado la película; la historia tiene mucho de bueno, como todo esto de la conciencia ecológica y la crítica a la guerra por el petróleo, pero no me parece coherente que algo que dura dos horas cuarenta y podría durar hora y media, resulte para algunos “la mejor película en años” sólo porque es un espectáculo de primer nivel.

Para el caso, si tanto presupuesto tenía, ¿por qué no contrató James Cameron a un buen guionista para ayudarle un poco? No es creíble que no haga cine en más de diez años y luego salga con este guión, y todavía se atreva a decir cosas como que “no había hecho la película porque la tecnología no había alcanzado a mi visión”. No es tan grave su caso como, digamos, el de George Lucas en las tres últimas y pésimas películas de Star Wars, pero de ninguna manera es un guión bien escrito.

Así nada más de saque tiene pura exposición: más de media hora de explicaciones no pedidas que plantean la historia de forma incómoda. Por ejemplo, la escena en que el jefe de los Marines, interpretado por Stephen Lang, que por cierto, es obvio desde su primera escena que será el villano, les explica a los reclutas que en el planeta Pandora existen unos alienígenas humanoides llamados Na’vi… ¿No lo sabían? ¿Es tan mala la comunicación en el futuro que unos Marines que se transportaron a otro planeta desconocen quién lo habita? O, mejor aún, cuando Giovanni Ribisi, que interpreta también a uno de los “humanos malos”, explica a Sigourney Weaver, la jefa de los “humanos buenos”, que la razón por la que están ahí es un mineral que se vende carísimo en la Tierra: ¿¿Ella no lo sabía?? Más bien nosotros no lo sabíamos, y en lugar de explicárnoslo de forma natural, Cameron usa esas escenas lentísimas para dejárnoslo claro. Es una pena… Reprobado en el A,B,C de guionismo.

Cuando la acción arranca por fin, es emocionante. Con el fin de que los humanos ganen la confianza de los Na’vi, se integrarán con ellos por medio de “avatars”, seres idénticos (azules, altotes) “manejados” por control remoto, un humano por cada avatar, como una especie de realidad virtual, en que el humano duerme en una máquina y despierta en el cuerpo avatar. Es una genial idea, aunque un tanto perturbadora, pero apasionante.

A mí en lo personal no me pareció que los avatars ni los alienígenas en general, animados por CGI, se vieran muy reales, pero en fin, uno se deja llevar por la película… Lo malo es que no hay mucho por qué dejarse llevar. Desde el instante en que el protagonista, Jake Sully (Sam Worthington), en su forma avatar, pone un pie en la aldea de los humanoides, sabemos con exactitud cómo acabará todo. Lo hemos visto mil veces y con mucho mejores resultados; viene a la mente de inmediato Dances with Wolves (1990), lo que el mismo Cameron admite. Desafortunadamente, ésta es la versión light (aunque no por ello más corta) porque los Na’vi hablan inglés si se les antoja, y dan una buena acogida a Jake Sully, y todo el esfuerzo de éste por acoplarse está implícito, no se ve ni se siente, sólo ocurre, muchas veces fuera de la pantalla y sin que el público lo sufra. Es todo muy “bonito”; ésa es su carta fuerte, aunque a mi parecer, es su perdición.

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I’m not predominantly visual. What I look for, in a movie, is a good story. That’s why it neither was my priority to watch Avatar in 3D, nor do I intend to. Well, I admit I am curious, because I’m sure the spectacle is unique, but I’m so disappointed by the story it tells, and how badly it tells it, that I’m at a loss at the amount of followers it’s gathering exclusively because it looks so good. I don’t intend to insult the intelligence of those who enjoyed it; the story has a lot to go for it, like all that about ecology awareness and war for oil criticism, but it doesn’t seem logical that something that lasts two hours and forty minutes and could last an hour and a half, becomes “the best film in years” just because it’s a first-rate show.

In that case, if the budget was so high, why didn’t James Cameron hire a good screenwriter to aide him some? It’s incredible that he hasn’t made a movie in over ten years and then he comes out with this script, and dares to say things like “I took my time because technology had to catch up with my vision”. It’s not as bad as, say, George Lucas with the three latest and awful Star Wars films, but it’s in no a way a good script.

Just to start, it’s full of exposition: over half an hour of unsolicited explanations that setup the story in an awkward way. For instance, the scene in which the chief of the Marines, played by Stephen Lang, who by the way is obviously destined from the first scene to become the villain, explains to his recruits that Planet Pandora is inhabited by humanoids called Na’vi… Didn’t they know that? Is communication in the future so bad that Marines who are transported to another planet don’t know who lives there? Or, better yet, when Giovanni Ribisi, who also plays one of the “bad humans”, explains Sigourney Weaver, the chief of the “good humans”, that the reason they’re there, is a mineral that can be sold for millions on Earth: Didn’t she know that?? No, it’s we who didn’t know it, and instead of explaining naturally, or integrally, Cameron uses these god-awful slow scenes to make it clear. It’s a shame… F on screenwriting basics.

When the action finally starts, it’s exciting. To the end of humans gaining confidence from the Na’vi, they join them through “avatars”, identical beings (blue, huge) “remotely controlled” by one human each, in a sort of virtual reality, in which the human goes to sleep in a machine and wakes up in the avatar body. It’s a great idea, though somewhat disturbing, but enthralling.

I personally didn’t think the avatars or the aliens in general, who were made by CGI, looked very real, but who cares, one goes with the flow… Too bad there’s not much flow to go with. From the moment the protagonist, Jake Sully (Sam Worthington), in avatar form, sets foot on the humanoid land, we know exactly how it will all end. We have seen it a thousand times with much better results; Dances with Wolves (1990) comes to mind immediately, which has been acknowledged by Cameron no less. Unfortunately, this is the light version of it (though no much shorter), because the Na’vi speak English if they wish, and welcome Jake Sully immediately, and all his effort to integrate is implicit, not felt or suffered, it just happens, more often off-screen than on. It’s all very “pretty”, that’s its strongest asset, though to me, it’s its doom.

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Review

New Moon

Director

Chris Weitz

Year

2009

Rating

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Gon Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Tuesday, December 22, 2009

No sé qué tan relevante sea escribir sobre New Moon. Que es una película prefabricada para satisfacer a un nicho y lo hace muy bien, podría ser lo único digno de decirse. Pero ya que dediqué dos horas de mi tiempo a verla, no está de más destrozarla con mi crítica, aunque no debo martirizarme: me divertí burlándome de cada escena, cada diálogo y luego del producto general, y ahora planeo hacerlo también.

Espero no indignar a los fanáticos (a las fanáticas). De entrada afirmé que la película, como el libro de Stephenie Meyer, hace muy bien la tarea de satisfacer a un nicho. Cuántas veces el gusto de ver a alguna actriz favorita o de escuchar los diálogos de un guionista preferido, no ha influido en mi juicio de la película en cuestión sin importar el resultado general. Todos hemos pasado por eso. En este caso, por fortuna, o tal vez por infortunio, puedo ser objetivo, y he aquí mi opinión, que no es más que eso.

Si la predecesora Twilight fue lenta e irrelevante, ésta lo es mucho más. Al menos en la anterior existía un poco de misterio en la introducción de los vampiros modernos, que pueden vivir en la luz del día, a diferencia de los legendarios, y llaman la atención de los jóvenes adolescentes con su intrigante caminar y sus enigmáticas miradas. Ahora que ya estamos en ese mundo, la protagonista Bella (Kristen Stewart), firmemente enamorada y en una relación estable con el joven vampiro de 100 años, Edward (Robert Pattinson), teme envejecer y parecer repulsiva junto a su novio eternamente joven. Más debería preocuparle que sin importar las centurias que pasen, Edward parece incapaz de cambiar de expresión; parece habérsele congelado el rostro tanto como la edad.

La cosa pudiera solucionarse si Edward volviera vampiro a Bella, cosa que no quiere hacer por no robarle su humanidad, lo que por alguna extraña razón le hace pensar que la mejor opción es abandonarla de un momento a otro y casi sin aviso. Bella queda con el corazón roto y aún le hace el homenaje a su tieso ex novio vampiro al recordarlo constantemente, en particular cada que se pone en peligro, donde él entraría a advertirle que no se arriesgue sin motivo. O sea que Edward, además de inexpresivo y cobarde, era un aburrido que no la dejaba hacer nada que conllevara el más mínimo riesgo (como la vasta mayoría de actividades divertidas), ¿y ella todavía lo extraña? El amor es un misterio, no cabe duda.

Entonces llega otro interés romántico, Jacob (Taylor Lautner), el hombre lobo (por si alguien no lo sospechaba desde la primera parte) que ha crecido y al hacerlo ha desarrollado una musculatura que pareciera diseñada específicamente para conquistar a las pocas adolescentes que no hubieran caído a los encantos de Edward. Y para conquistar al doble a las que sí. Bella, que es la portavoz en pantalla de las antes mencionadas, cae redonda, y se encuentra con otro “hombre” (entre comillas no por ser medio monstruo sino por ser poco hombre) tan lleno de misterios y de cobardía (aunque menos, hay que admitirlo) como su tieso ex novio vampiro. En total, no hay a quién irle.

En el clímax de la cobardía, aunque advierto que esto es hablar del tercer acto, Edward amenaza con suicidarse al creer que Bella ha muerto. En resumen: la abandonó, se enteró de su supuesta muerte, y quiso matarse, y se supone que esto es un tributo a “Romeo y Julieta”; Shakespeare debe estar revolcándose en su tumba. Bella corre a salvarlo, lo que resulta en un peligro mortal para ella y nulo para Edward. O sea que al huirle la puso en peor peligro; al menos la historia parece estar de acuerdo con que su actitud fue absurda desde siempre. Dakota Fanning aparece en este segmento, en que todos los personajes que la rodean nos juran que es una persona importantísima en el mundo de los vampiros, pero nunca entendemos por qué; antes al contrario, otro vampiro, interpretado por el simpatiquísimo Michael Sheen, la ridiculiza, literalmente a carcajadas en su cara, cuando sus poderes rebotan en Bella.

Sheen (y su personaje) y la música de Alexandre Desplat son lo único bueno de la película, y ya es decir mucho.

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Review

Frenzy

Director

Alfred Hitchcock

Year

1972

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Gon Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Wednesday, December 02, 2009

Habría que conocer más a fondo el proceso de Alfred Hitchcock para tomar la decisión de hacer esta película. Se sabe, por ejemplo, que venía de tener dos fracasos que lidiaban con espionaje internacional, Torn Curtain y Topaz, por lo que regresó a su género infalible: el de asesinato, y más aún, con un inocente inculpado. Pero habría que saber más de todo lo que involucraron sus decisiones. Por ejemplo, ¿por qué situarla en Londres, Inglaterra, y no en Estados Unidos, como acostumbraba? O, dicho de otra manera, ¿por qué regresar a sus orígenes? ¿Por qué darle ese toque sensacionalista, casi amarillista a veces, si él era más de la filosofía de que “lo que no se ve” es más poderoso que “lo que se ve”. ¿Qué lo llevó a contratar a actores desconocidos para sus roles? ¿Fue el presupuesto, o la creencia de que esto daría a su pieza un toque genuino? Sería bueno conocer las respuestas, porque aunque el resultado es interesante, es también irregular.

Aunque en plena forma, Hitchcock parece poco convencido en su entrega. Pareciera que intentaba modernizarse pero a la vez se ataba a antiguos preceptos. Los crímenes son desagradables (no que en Psycho (1960) no lo fueran, por ejemplo, pero su presentación era elegante), los involucrados carecen de carisma, y cuesta mucho encariñarse con el protagonista —el acusado—, en parte porque es un bueno para nada al que casi nadie quiere, y en parte por su cara desconocida, o ese peinado tan de la época que ahora se ve anticuado por demás.

En general es una experiencia un tanto triste. Es imposible ver una película de Hitchcock, tantos años después, y no compararla con sus más grandes obras, y a sus protagonistas con Cary Grant y James Stewart. Por eso tuve que hacer un gran esfuerzo para disfrutarla sin importar estos comparativos. El veredicto es que la cinta es casi intachable, pero no exenta de fallas que la hacen distante, sobre todo para la posteridad.

El guión es de Anthony Shaffer, lo que curiosamente me llevó a verla más que la dirección de Hitchcock, porque soy fanático empedernido de Sleuth (1972) y The Wicker Man (1973). Hitchcock acudió a Shaffer tras su éxito teatral con “Sleuth”, y éste adaptó una novela de Arthur La Bern para hacer Frenzy. (La Bern se indignó con la adaptación, pero he leído sus razones y no parecen relevantes a esta crítica, al tratarse de diferencias estructurales que debatiblemente hicieron su historia más accesible para la pantalla.) Shaffer hizo un buen trabajo, excepto porque el protagonista, como he dicho, es de un carácter difícil de apreciar, e incluso autodestructivo en su forma de ser. Si hemos de querer que triunfe, deberíamos encontrarlo al menos simpático, o cooperando por esa causa, pero ni una ni otra. Jon Finch, que lo interpreta, hubiera podido hacerlo tan carismático como se requiriera, pero ello evidentemente no se le solicitó.

Por otro lado, el villano, interpretado por Barry Foster, es asquerosamente memorable. No de ésos que caen bien, sino todo lo contrario, uno quiere verlo fracasar, pero la escena en que algo se le complica, y se ve obligado a abordar un camión para eliminar una huella que lo inculpará, es la mejor de la película, y convierte a este personaje, de pronto, y sólo por unos momentos, en nuestro favorito.

Como siempre pasa con Hitchcock, la tensión crece a cada momento, sobre todo cuando vamos descubriendo quién es el responsable de los crímenes y por qué nuestro hombre fue implicado. Casi toda la película es sombría y helada, como el clima de Londres, lo que no ayuda a la sensación de lejanía que produce, pero hay tomas largas y amplias que resultan espectaculares y de alto impacto. Los destellos de humor negro, aunque no siempre efectivos, ayudan mucho, sobre todo en lo que implica al detective encargado de la investigación (Alec McCowen) y su esposa, pésima aprendiz de chef (Vivien Merchant). Me recordaron de repente a la pareja de fanáticos de cricket de The Lady Vanishes (1938); tal vez el que sólo en Inglaterra se pueda dar un humor tan involuntario, fue la principal razón de Hitchcock para volver.

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Review

The Prince of Tides

Director

Barbra Streisand

Year

1991

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Gon Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Tuesday, December 01, 2009

Si los recuerdos de esta película, que vi en la infancia, me resultan en cierta medida traumáticos, me cuesta imaginar lo que implican para los personajes que los protagonizaron. El impacto suficiente para que un espectador recuerde esta experiencia que sólo fue transmitida durante dos horas en la pantalla, y a sabiendas de que es una historia ficticia, aunque tristemente basada en incontables casos de la vida real, es un mérito de su realizadora, Barbra Streisand.

Pero es también la mano de Streisand —su protagonismo, su manipulación del personaje que interpreta, sus ganas de robar cámara— lo que mermó a esta obra a los ojos de crítica y audiencia. Los fanáticos del libro en que se basa, de Pat Conroy, que sin embargo no ha superado gran cosa la prueba del tiempo, más que como consecuencia de esta famosa cinta que inspiró, se indignaron por los cambios que sufrió su transformación: las escenas de flashbacks son escasas, mientras en el libro eran mayoría, y algunos personajes, protagonistas de la obra original, aquí se han convertido en secundarios a lo mucho. Personalmente, y sin haber leído el libro, me parece que el resultado del guión, adaptado por el mismo Conroy y Becky Johnston, no es nada malo.

El enfoque es casi exclusivo en Tom Wingo, un hombre que a pesar de haber formado una familia feliz, carece de rumbo fijo. Es interpretado por Nick Nolte, estrella de filmes taquilleros que dio un giro hacia lo dramático de manera por demás creíble. Nolte había interpretado personajes rudos que ocasionalmente se encontraban en medio de situaciones chuscas o inesperadas, y manejaba muy bien esos cambios. Aquí lo que hace es exactamente al revés: Wingo se ha hecho rudo para evadir todo lo dramático de su vida. La decisión de asignarle este papel es el primer gran acierto de Streisand. Nolte es extraordinario y constituye sin duda lo más memorable del filme.

Wingo se ve obligado a abandonar la paz aparente de su hogar, o la tangible de su entorno, para viajar a Nueva York, donde su hermana Savannah (Melinda Dillon) ha intentado suicidarse otra vez. La psiquiatra de Savannah, Susan Lowenstein, busca respuestas del pasado de su paciente que ella es incapaz de recordar. Acaso pueda su hermano remembrar las razones por las que está tan perturbada. La relación que surge entonces entre Tom Wingo y Lowenstein no es de paciente y analista, por lo que se dan la oportunidad —o Lowenstein la incita para inspirar confianza— de conocerse personalmente. Como es de esperarse, surge entre ellos un tórrido romance.

Presumiblemente, Lowenstein cruza las líneas de la ética en lo que respecta a Savannah al involucrarse con su hermano, pero está claro que el idilio es tan necesario para ella como para Tom. Aunque esta relación aparecía en la novela original, su amplio desarrollo es propio de la película, lo que da la impresión de que Streisand, que interpreta a Lowenstein, encontró en esa mujer judía de fuertes sentimientos y mucha frustración un vehículo perfecto para ella. No la culpo: tuvo toda la razón.

Sin embargo, la pasión entre los protagonistas no es más que una manera de acceder a lo que realmente importa: el pasado de los Wingo, sus infancias atroces, y un incidente trágico que más que provocar los traumas que los azotan, catalizaron la mayoría de ellos. Entre recuerdos impactantes y momentos enternecedores del tiempo presente, Streisand elabora una red de personajes interesantes e interpretados a la perfección, entre otros, por Blythe Danner como la esposa de Wingo, Melinda Dillon como su hermana, y sobre todo Kate Nelligan como su madre.

La música de James Newton Howard es tan enternecedora como la coraza que esta película da a la historia de los Wingo. En el fondo, sin embargo, existen heridas tan profundas que poco tienen de lo romántico de su presentación. Lidiar con realidades así es tan importante en la vida que cada intento por conseguirlo es loable. He ahí el mérito de The Prince of Tides.

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