CriticSociety- film reviews

Review

No Desearas la Mujer de tu Hijo

Director

Ismael Rodríguez

Year

1950

Rating

Reviewed by

Gon C Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Saturday, March 20, 2010

Ésta es la secuela de La Oveja Negra (1949) y una gran película, superior incluso a su predecesora. Una de las pocas excepciones a eso de que “segundas partes nunca fueron buenas” (existen tan notables excepciones a esta regla que casi la invalidan). Cuando creíamos que ya nada interesante podía pasar entre don Cruz Treviño Martínez de la Garza (Fernando Soler) y su hijo Silvano (Pedro Infante), tras la muerte de su esposa y madre, respectivamente, causada por los grandes agravios emocionales provocados por don Cruz, el inigualable Ismael Rodríguez nos suelta su carta más fuerte: la de Don Cruz aceptando su nueva situación como una de libertad y juventud perpetua, y compitiendo directamente contra su hijo por el amor de una joven.

Este conflicto podría parecer irrelevante si se recuerda que antes padre e hijo compitieron por una posición política, pero lo que lo hace fuerte es el malentendido que hace que don Cruz crea que el amor de la joven, su ahijada Josefa (Carmen Molina), es correspondido, cuando a quien ella ama en realidad es a Silvano. Éste ya carga no sólo con una vida de abusos físicos y psicológicos contra su madre y él mismo por parte de su padre, sino la humillación de haber perdido a la mujer que amaba a causa del mismo. De nuevo, mientras Silvano intenta rehacer su vida y encontrar su lugar en el mundo, es obstaculizado a cada momento por el paradigma apabullante que es servir a su padre y respetarlo sin importar lo que éste haga o diga.

Rodríguez y su co-escritor Rogelio A. González meten a la mezcla a la ex novia de Laureano, Justina (Virginia Serret), y a su esposo Régulo (Alejandro Ciangherotti), quien se obsesiona con el invaluable caballo de Laureano, Kamcia. Cuando el absurdo excesivo de la actitud de Cruz llega a un punto intolerable por Silvano, éste se juega la vida a cambio de su caballo, en contra de Régulo. La actuación de Pedro Infante en esa escena es de tal intensidad, que casi lo lleva a los niveles histriónicos de su co-protagonista, el inigualable Fernando Soler. El hermano de éste, Andrés Soler, funge un papel más importante que en la anterior película, pues es ya no sólo el apoyo comediante de la historia, sino también el padre de la mujer por cuya disputa se llega al punto de quiebra, de una buena vez, entre padre e hijo.

El guión está mejor amarrado que en La Oveja Negra, lo que hace a ésta una experiencia más intensa e impactante. El drama de nuevo es episódico, pero funciona como un todo, y no sólo por partes. De manera constante, al igual que en la anterior, y como complemento de aquélla, se retrata la forma tan inadecuada en que los padres de familia de ciertos pueblos de México tienen control total sobre las vidas de sus esposas e hijos, y cómo éstos caen en la trampa de confundir el respeto por la aceptación de una realidad insoportable.

Es de tal ferocidad este mensaje, que no existe redención ni siquiera en la última y profundísima escena en que dialogan don Cruz y Silvano. La misma película pareciera no querer transmitir la indignación de ello, cuando nos ofrece un momento romántico de ultratumba, similar al del final de Wuthering Heights (1939), pero ahí radica su impacto: en no condenar, ni juzgar, ni siquiera pretender que se reprueba algo. A veces, sólo retratar, y hasta dar por su lado a algo que está mal, lo hace más vergonzoso.

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Review

Nosotros, los Pobres

Director

Ismael Rodríguez

Year

1948

Rating

Reviewed by

Gon C Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Saturday, March 20, 2010

Una de las obras maestras del cine mexicano, de ésas que apenas estoy descubriendo, tras tantos años de no darme cuenta de la riqueza del cine de mi propio país (no me azotaré más, ya es la segunda crítica en que repruebo mi actitud que intento mejorar), es sin duda Nosotros, los Pobres, una más de las bellísimas cintas del escritor y director Ismael Rodríguez, que como tantas otras de sus creaciones inició una serie de sagas cuyas secuelas no fueron menos impactantes.

Algunos la califican de melodrama, pero pese a una tendencia general del cine de esa época en este país de exagerar algunas situaciones, no sentí que el planteamiento general sobrepasara lo meritorio del drama vivido. Tampoco es que todo sea trágico, hay risas, canto y alegría, pero cuando algunas cosas pasan, que son más bien crudas, las reacciones de los personajes son más que meritorias. Otra cosa es que el guión de Rodríguez combina las desventuras de muchos personajes que conviven en la pequeña sociedad de su vecindad, y aunque a veces pareciera funesto pensar que la coincidencia de varias tragedias en un lugar tan pequeño pudiera darse en un corto lapso de tiempo, por fortuna o infortunio es así en la vida real, sólo que no siempre estamos conscientes de lo que pasa tras la puerta cerrada del vecino de junto, como lo están los que viven en espacios pequeños y a veces comunes.

El protagonista es José del Toro, alias Pepe el Toro, interpretado por Pedro Infante, que es uno de sus personajes más famosos. Pepe es carpintero de profesión y con ese oficio mantiene a su hija, Chachita (Evita Muñoz, que adoptó el nombre de su personaje como mote perpetuo), quien a sus espaldas lava ropa para aportar un poco a su economía. Todo un mosaico de personajes interesantes los rodean, y la película nos permite asomarnos por las ventanas de cada uno de ellos para conocer no sólo a los ingredientes de una trama completísima, sino a los representantes de una realidad de nuestro país.

Como retrato de la sociedad en que viven, conocemos a La Chorreada (Blanca Estela Pavón) y a su escalofriante padrastro, Don Pilar (Miguel Inclán), a las perpetuamente borrachas La Guayaba (Amelia Wilhelmy) y La Tostada (Delia Magaña), a “La que se levanta tarde” (Katy Jurado), y a muchos más. La Chorreada y Pepe romancean, y se cantan la clásica canción de “Amorcito Corazón”, con todo y silbidito, compuesta por Manuel Esperón, con letra de Pedro de Urdimalas, quien también co-escribió el guión con Rodríguez. Algunas otras canciones muy buenas acompañan al argumento ocasionalmente, lo que hace a esta película un musical, entre otros géneros. La música de fondo de Esperón es bellísima y agrega gran impacto al drama de la historia.

Pepe el Toro adora a su hija Chachita, pero le esconde el secreto de su madre, a quien las malas lenguas dicen que él mató. Cuando una mujer misteriosa, La Tísica (Carmen Montejo), se aparece en la vecindad, todo parece indicar que algo relativo al oscuro pasado de Pepe está por emerger. Mientras tanto, un gran agravio peligra la integridad y la libertad de nuestro héroe. En todo ese proceso, que es muy poderoso, no se hace otra cosa que retratar la sencillez, la humildad, la voracidad y la maldad que reinan en esos pequeños vecindarios de los que la Ciudad de México y muchas otras están repletas. Como testimonio de una realidad, y homenaje a quienes viven en ella, Nosotros, los Pobres es una joya. Como película, lo es más.

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Review

Sherlock Holmes

Director

Guy Ritchie

Year

2009

Rating

Reviewed by

Gon C Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Saturday, March 20, 2010

Vanagloriado de mi parte decirlo, pero bueno: soy fanático de las aventuras de Sherlock Holmes de Sir Arthur Conan Doyle, y como tal, me sentí preocupado al escuchar la noticia de la superproducción que se avecinaba sobre el famoso personaje. Cuando todavía no llegaba la época que vivo actualmente, en que le huyo como a la peste a las noticias de películas que se aproximan, por miedo a enterarme de sus tramas, escuché que Guy Ritchie, su director, se preocupaba por retratar al Holmes nunca antes visto en pantalla: al desaliñado e irreverente boxeador cuya labor detectivesca nace más de una dolorosa capacidad cerebral superior a la promedio que de un gusto que mejore su vida. Hasta ahí me quedé y lo siguiente fue ver la película, un año después.

El resultado es una mezcla de ambas cosas: superproducción Hollywoodense en toda la extensión de la palabra, por un lado, y buen respeto a su fuente de inspiración, por el otro. En verdad se siente como si alguien hubiera ido a extraer al más puro Holmes de Doyle y lo hubiera metido en una licuadora de aventuras sólo concebibles en la excesiva emulsión cinematográfica de hoy en día… Holmes reacciona bien, pero está fuera de lugar prácticamente todo el tiempo. Por su parte, Watson es diferente al viejito que siempre ponían en las películas de antes, lo cual es bueno, pero también al de las aventuras originales, que era mucho más tímido y reservado que el de ahora, lo cual no es tan malo, porque ayuda mucho a las aventuras que el afamado cronista de Holmes sea más “entrón”.

Los actores que los interpretan son Robert Downey Jr., a Holmes, y Jude Law, a Watson. Law lo hace bien: se mantiene a raya pero no se hunde, ni pretende robar el reflector a su contraparte. Downey, por su lado, es excelente: se divierte en el papel y a la vez parece abatido y en constante pena por su existencia poco apreciada por sí mismo. En ese sentido, es perfecto para el papel. Lamento no ser experto en acentos. Nunca me di cuenta, por ejemplo, de que pese a su incalculable carisma en el papel, Dick Van Dyke arruinó a muchos la experiencia de Mary Poppins (1964) por su acento “Cockney” pobremente imitado. Creo, por lo que he oído, que Downey lo hizo bien en ese sentido en el papel de Sherlock Holmes, y aplaudo su esfuerzo.

En cuanto a la mancuerna Holmes-Watson, algunos, incluso el mismo Downey, o creo que fue Jude Law, según leí de reojo en una entrevista después de ver la película, la comparó con la de Butch y Sundance en Butch Cassidy and the Sundance Kid (1969). Me permito echar una buena carcajada ante lo pretensioso de este comentario. Ya quisieran no sólo ellos dos tener la química de Newman y Redford, sino sus personajes tener tan divertida y cercana interacción como las del guión clásico de William Goldman. Aquí, en principio, pasan tantas cosas todo el tiempo que su relación apenas se disfruta, pues resulta más obligatoria y sujeta a las circunstancias que otra cosa. No es que lo hayan hecho mal los guionistas o los actores, pero dado lo presuroso de la historia, ése no es su fuerte, y cuando pretende serlo, Watson resulta más un escucha de Holmes (un servicio que hace para nosotros, y para que Holmes no tenga que hablar solo) que una contraparte cuya aportación valga de algo.

Otro personaje original de las aventuras escritas por Doyle, que hace su aparición aquí, es Irene Adler, la única mujer por quien Holmes jamás sintió respeto y admiración (vaya macho). La interpreta Rachel McAdams, divertida y adorable como siempre. Pese a lo genial que fue Adler en los relatos originales, nunca imaginó lo que algún día la pondrían a hacer los realizadores cinematográficos, pero era necesario para complacer a las audiencias modernas.

En cuanto a la trama en sí, bien acompañada por la divertida música de Hans Zimmer, baste decir que es explosiva y espectacular, y parece poner en riesgo la integridad del Holmes original, pero satisface y no traiciona. Disfruté el resultado y agradecí a los realizadores el respeto que al final mostraron. A ver qué hacen con las irremediables secuelas. Y por cierto, ojalá un porcentaje, aunque sea mínimo, de espectadores no letrados en las historias publicadas hace más de cien años, decida echarles un vistazo.

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It's Complicated

Director

Nancy Meyers

Year

2009

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Gon C Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Saturday, March 20, 2010

Bendita ligereza. Las películas de Nancy Meyers retratan problemáticas sentimentales entre personas que tienen cierto nivel de madurez y buena solvencia económica. El dinero nunca es el problema, ni tampoco en realidad la estabilidad emocional. Es sólo la opción, la libertad de tomar un riesgo para una posible vivencia que pudiera resultar buena o mala. Nunca en realidad se siente un conflicto de grandes dimensiones, pero la acción se rellena con un montón de momentos chuscos que enfatizan la ansiedad de los protagonistas. El resultado es la pura diversión.

It’s Complicated narra la historia de Jane (Meryl Streep), una mujer exitosa que ha llegado a buenos términos con su ex esposo, el carismático Jake (Alec Baldwin), con quien puede convivir sin importar la presencia de la nueva y flamante esposa de él. Jane prácticamente vive en celibato y dice no hacerlo a propósito, pero parece poco interesada en buscar algo más. Jake vive del momento, de la aventura y la emoción, y encuentra de pronto un nuevo prospecto que lo entusiasma: revivir su romance con Jane, después de más de diez años de separación.

Todo esto se da después de que hemos aprendido a amar a los dos personajes. Jane es involuntariamente simpática, y Jake se esfuerza en serlo, pero ambos cautivan con su buen humor y sus esfuerzos por parecer inamovibles ante la adversidad. Desde que los vemos juntos por primera vez, queda claro que sus recuerdos mutuos son más buenos que malos, y que el final tuvo que ver con mucha inmadurez de Jake, y pocas ganas de Jane de soportarlo, y no tanto con que la flama se extinguiera.

La escena en que Jake y Jane se reencuentran románticamente, es sin duda la mejor de la película. Es muy placentero verlos divertirse y culminar en la cama. En general, la sensación se sostiene todo el tiempo. Es fácil recargarse y disfrutar esta película sin gran preocupación. Bien sabemos desde un principio que, sin importar el camino que tome la historia (escrita por la propia Meyers), no nos puede lastimar.

Steve Martin entra al juego como un arquitecto que remodelará la casa de Jane, hombre recién divorciado que pronto se enamora de ella. Teorizo que lo contrataron en particular para hacer que una escena clave, la de una fiesta en que los personajes consumen marihuana, fuera exitosa. Ciertamente, nadie como Martin para hacerse el bobo y luego sacar el monstruo de comedia que lleva dentro en una escena inesperada. Sin embargo, dado lo soso de su personaje en general, se ve terriblemente opacado por el carisma gigantesco de Alec Baldwin. Este nuevo Alec, el rey de la comedia, es imparable. Lo hace tan bien, que es imposible verlo y no echar una carcajada. Bien por él.

Meryl Streep me fascinó. Alguien cuya opinión valoro enormemente me hizo ver que está un poco sobreactuada, pero culpo más al personaje y a la directora que a ella. En general, aprecié los momentos que aprovechó para brillar más de lo que el guión le exigía, por ejemplo, uno en que al fin recibe un consejo concreto de su psicólogo, donde su reacción es de alivio total y pleno agradecimiento, de liberación y de respiro despreocupado tras quitarse un gran peso de encima. Me encantó.

Por último en cuanto a personajes, hay uno diseñado para la pura comedia, su nombre es Harley, el yerno de Jane y Jake, y es interpretado por John Krasinski. Este personaje es un riesgo que pudo haber llevado a la comedia a un límite excesivo, y a veces lo hace, pero en general funciona bien, y Krasinski es simpatiquísimo. Será que vi a la película con buenos ojos desde un principio, pero casi todo me resultó positivo.

Buena música de fondo de Hans Zimmer y Heitor Pereira, por cierto. Hay momentos en que la música lo es todo para la efectividad comediante de una escena, y en otros casos para la efectividad romántica. Justo lo que se necesitaba. Buen trabajo.

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